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FRANCISCO DE ZURBARAN

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FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Dom 29 Mar 2015, 11:25

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Francisco de Zurbarán
Francisco_de_Zurbarán_autoportrait.jpg
Autorretrato de Zurbarán. Museo del Prado. Commons
Francisco de Zurbarán, pintor del Siglo de Oro. Nació en Fuente de Cantos (Badajoz) en 1598 y murió en Madrid en 1664 a los 65 años de edad. Era hijo de un acomodado negociante vasco establecido en Extremadura. Se casó tres veces y tuvo nueve hijos. En 1649, la peste se llevó a uno de sus hijos, Juan el pintor. Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Sus cuadros se encuentran distribuidos por los principales museos del mundo.
Estilo
Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos. Sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más ácidos.
Lo más característico de este pintor son sus representaciones de monjes, santas y vírgenes, a las que viste a la manera de la época, desplegando todas sus cualidades como retratista y ejerciendo un dominio absoluto en rostros y telas.
Inicios
Con quince años ingresó en el taller que tenía en Sevilla el pintor Pedro Díaz de Villaneva. Probablemente también trabó relación con Francisco Pacheco y sus alumnos. Su aprendizaje lo concluyó a los 19 años, cuando Zurbarán se casó con María Páez. El único cuadro importante que pintó en esa época es el de una Inmaculada de 1616.
Primera etapa: Llerena
En 1617 se estableció en Llerena (Badajoz). A los 24 años era ya un pintor reconocido y empezó a pintar cuadros importantes para órdenes religiosas. Fue en 1627, cuando pintó el Cristo en la Cruz, a raíz de ese cuadro el Consejo Municipal de Sevilla le propuso oficialmente, que fijara su residencia en esta ciudad hispalense.
Segunda etapa: Sevilla
En 1629 se instaló en Sevilla y Zurbarán fue considerado un artista especializado en imágenes y estatuas. Pintó entonces el cuadro de San Serapio, uno de los mártires de la Orden de la Merced. Zurbarán se nominó así mismo como "maestro pintor de la ciudad de Sevilla", lo que despertó celos de algunos pintores sevillanos de la época. Sin embargo le llovían los encargos de las familias nobles y para los grandes conventos que los mecenas andaluces protegían, incluidos los jesuitas.
Tercera etapa: Madrid. Pintor del Rey
A los 36 años, en su etapa más fecunda, efectuó un viaje a Madrid que resultó determinante para su evolución artística. Se encontró con su amigo Velázquez, con el que analizó y meditó sobre sus obras. Pudo contemplar las obras de los pintores italianos que trabajaban en la corte de España. Zurbarán renunció, desde ese momento, al tenebrismo de sus inicios.
En 1634, Zurbarán fue invitado por el rey para que, en unión de otros pintores —entre ellos Velázquez—, decorara el Salón de Reinos del nuevo palacio real del Buen Retiro. De las doce victorias militares del reino, él pintó dos; una se perdió y la otra es La Defensa de Cádiz contra los ingleses, que se encuentra actualmente en el Museo del Prado. Además ilustró diez episodios de la vida de Heracles, ancestro mítico de la rama española de los Habsburgo. Por estos trabajos fue dotado con el título de "Pintor del Rey".
Pinturas hacia América y regreso a Sevilla
Por esos tiempos llegaban a Sevilla los galeones cargados de oro y zarpaban con las bodegas llenas de productos españoles (entre otras cosas, obras de arte). Zurbarán empezó a producir en su taller sevillano, pinturas religiosas para el mercado americano. Ejemplo excepcional de la producción de Zurbarán para América es la serie de doce cuadros de Las tribus de Israel, actualmente en Auckland, en el condado de Durham (Inglaterra); debido a que no llegaron a su destino por un ataque pirata.
Exilio del Conde-Duque de Olivares y crisis económica en Sevilla.
En 1643 el Conde-Duque de Olivares, favorito de Felipe IV, fue exiliado. Olivares era un gran protector de los pintores andaluces. Esta crisis política se unió a una disminución de la actividad comercial de Sevilla, por lo que disminuyeron el número de encargos de cuadros. Zurbarán, altamente estimado, no se vio afectado por este percance. En 1647, un convento peruano le encargó treinta y ocho pinturas, veinticuatro de las cuales tenían que ser de vírgenes a tamaño natural. En el mercado americano puso en venta, asimismo, algunos cuadros profanos, lo que le compensó de la disminución de la clientela andaluza.
Regreso a Madrid
En 1650 Zurbarán viajó de nuevo a Madrid. Pintó, el admirable rostro de la Virgen en la Anunciación que se encuentra en el Museo de Grenoble, y Cristo llevando la Cruz ,(catedral de Orleans). En 1658 los cuatro grandes pintores —Zurbarán, Velázquez, Alonso Cano y Murillo— se encontraban en Madrid. Zurbarán testificó durante la investigación llevada a cabo sobre Velázquez, lo que le permitió ingresar en la Orden de Santiago como él deseaba. Su fiel amigo Velázquez murió en 1660. En 1664 Francisco de Zurbarán murió en Madrid a los 65 años de edad.
Contexto histórico
Triunfo de Santo Tomás de Aquino.jpg
Triunfo de Santo Tomás de Aquino. Foto Commons

En el siglo XVII, existían en Sevilla una gran cantidad de conventos que fueron los grandes mecenas de los pintores, muy exigentes en cuanto a la composición y calidad de las obras.
Los religiosos eran muy sensibles a la dimensión estética de las representaciones, y estaban convencidos de que la belleza era más estimulante para la elevación del alma que la mediocridad.
En las iglesias siempre hubo un retablo en el que se representaban las escenas de la vida de Cristo. En las bibliotecas y salas capitulares, se podían encontrar cuadros del fundador de la Orden y de las personalidades más importantes de la misma. Estas exigencias eran propias de todos los conventos.
Zurbarán, supo representar con una gran claridad la religiosidad que impregnará la vida española de la Contrarreforma en la que las órdenes religiosas salieron beneficiadas de dicha circunstancia, adquiriendo un mayor relieve social.
Por tanto la mayor parte de la obra de Zurbarán fueron series dedicadas a mostrar la vida monástica: La Cartuja de Jerez, San Pablo el Real, el Monasterio de los Jerónimos de Guadalupe o la Merced de Sevilla fueron algunos de los sitios para los que llevó a cabo sus principales series.
El colegio franciscano de San Buenaventura era uno de los más importantes de Sevilla. En 1629 Zurbarán inició para este convento el ciclo de representaciones de la vida de Buenaventura de Fidanza junto con Francisco Herrera el Viejo.
Por encargo de los frailes del Monasterio de Guadalupe, Zurbarán pintó entre 1639 y 1645 ocho cuadros para la sacristía y tres para la capilla adyacente. Estos cuadros se conservan aún en su emplazamiento original.
Los dominicos fundaron, en Sevilla, un colegio al lado del convento. El objetivo era el de contribuir a la propagación de las ideas aprobadas en el Concilio de Trento. Para el altar mayor, Zurbarán pintó su magnífico cuadro el Triunfo de Santo Tomás Aquino, que actualmente se halla en el Museo de Bellas Artes de Sevilla,
En 1626, el convento de San Pablo el Real, le encargó veintiún cuadros basados en la vida de Santo Domingo, séptimo de los Doctores de la Iglesia. Sólo se conservan cinco de estos cuadros.
Los particulares
Las obras destinadas a los particulares son más repetitivas que las obras destinadas a los conventos. La Inmaculada Concepción era el tema preferido de los sevillanos de aquella época. Se discutía, todavía, acerca del dogma. La doctrina de la Inmaculada Concepción se oponía a la doctrina de la Santificación. En las calles de Sevilla se discutía sobre este punto, y casi se provocó un motín cuando un dominico predicaba la doctrina de la Santificación. Las obras de Zurbarán, como la Inmaculada de Barcelona ilustran esta posición, que no sería un dogma hasta el siglo XIX.
Conclusiones generales
Su aprecio creció después de su fallecimiento y su renombre traspasó las fronteras de España. El hermano menor de Napoleón, José Bonaparte, hizo enviar a París, para el Museo Napoleón, algunas de las obras mayores de Zurbarán. Muchos generales del Imperio, e incluso el mariscal Soult se llevaron varios de esos cuadros sacados de Sevilla tras el cierre de los conventos. De 1835 a 1837, Luis Felipe envió a España al barón Isidore Taylor, comisario Real del Teatro Francés, para que reuniera una colección de obras de Zurbarán que se hallaban dispersas.
Pese a sus 121 cuadros, Zurbarán fue, sin embargo, menos apreciado que Murillo. Sólo se le juzgó desde un punto de vista romántico, considerándole, sobre todo, como el Caravaggio español, pintor de monjes.
Afortunadamente un editor importante en el siglo XX manifestó que olvidando el aspecto pietista, exageradamente subrayado, reconoce que hay que atribuir a Zurbarán un lugar preponderante en el arte español. «Exceptuando al El Greco, y quizá también a Velázquez, que es igual, sino superior, Zurbarán superó a todos los demás pintores españoles”.
Sin embargo su obra no es conocida ni apreciada en su justa medida. La característica de la obra de Zurbarán es la de mostrar todo aquello que la pintura puede ofrecer respecto a la realidad humana, Zurbarán presenta a sus santos y a sus monjes en la vida psíquica más concisa, pero a la vez más atormentada por las graves inquietudes espirituales provocadas por el deseo de aproximarse a Dios.

Fuentes

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Monumento a Zurbarán.jpg
Monumento a Zurbarán en Badajoz. Foto Julo Commons


Dedicado a Zurbarán hay numerosas biografías en Internet, pero la más extensa de las mismas es la que recoge la Enciclopedia Wikipedia que ha sido considerado Artículo Destacado, por lo que ha sido ese artículo la base por la que se ha confeccionado esta biografía.
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por Jucarese el Dom 29 Mar 2015, 14:34


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Forma parte de las tablas realizadas por Zurbarán para la Cartuja de Jerez, una de las mejores series del artista.
Los dos ángeles turiferarios que se conservan en el Museo de Cádiz estuvieron posiblemente situados en el pasillo del sagrario de la Cartuja de Jerez, donde se localizaban los santos cartujos.

Zurbarán asocia los colores sin temor a contrastes atrevidos, utilizando tonos intensos. La figura del ángel está cargada de solemnidad y elegancia. Es admirable no sólo el uso del fuerte color de la túnica que contrasta con el corpiño, sino el cuidado del dibujo y el tratamiento de los pliegues.
 

Características de la obra

Objeto
Cuadro
Dimensiones
122 x 66 cm.
Técnica
Óleo sobre tabla


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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Dom 29 Mar 2015, 15:52

gracias juca por esta informacion , los pintores españoles antiguos parecia fotos de lo perfecto que los pintaban , este cuadro es precioso ,
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por Jucarese el Lun 30 Mar 2015, 21:09

Pues ale abuelita sigue documentando el tema que hay muchas pinturas para poner


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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Lun 30 Mar 2015, 21:14

si juca me gustaria poner cuadros de este pintor pero no se donde ponerlas asi que si tu melo dices yo pongo vale ¡¡¡
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por Jucarese el Mar 31 Mar 2015, 10:34

aqui mismo anika en su biografia las vas poniendo y documentandolas pones el cuadro y una explicacion de el para eso es este tema para zurbaran y si obra y biografia


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Forma parte de las tablas realizadas por Zurbarán para la Cartuja de Jerez, una de las mejores series del artista.
Con esta pieza, Zurbarán expresa como nadie el sentido de la religiosidad monástica. Su pintura se caracteriza por la precisión del dibujo, por el claroscuro que supera el tenebrismo y por una genial aplicación del color. Abundan las figuras en primer plano sometidas a una luz fuertemente contrastada con las sombras, en las que el color está dispuesto en grandes superficies. De este modo, ofrece una sensación de volumen y monumentalidad.

Características de la obra

Objeto
Cuadro
Dimensiones
122 x 64 cm.
Técnica
Óleo sobre tabla.


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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Mar 31 Mar 2015, 15:51

muchas gracias guapo
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Mar 31 Mar 2015, 15:59


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san Lucas como pintor, ante Cristo en la Cruz, (Probable autorretrato de Zurbarán como San Lucas), 1630-1639. Óleo sobre lienzo, 105 × 84 cm. Museo del Prado. Obra de Francisco de Zurbarán.

Ante un fondo oscuro se recorta la figura casi escultórica del Crucificado al que devotamente mira un pintor. Se trata de San Lucas que, además de evangelista, fue médico y artista. Tras esa referencia de carácter bíblico quizá se esconde una alusión más general al valor de la pintura como arte que alcanzaba su mayor utilidad en su condición de instrumento devocional. También se ha apuntado que puede tratarse de un autorretrato -más alegórico que literal- de Zurbarán.

El Crucificado aparece clavado a la Cruz con cuatro clavos, fórmula que deriva en última instancia de Durero y que fue muy común entre los pintores que trabajaron en Sevilla en el siglo XVII, como Pacheco, Velázquez o Alonso Cano.

Esta obra perteneció al infante don Sebastián Gabriel (1811-1875) y, posteriormente, a su hijo don Alfonso de Borbón y Braganza. Fue adquirida para el Museo del Prado en 1936 con fondos del Legado del conde de Cartagena.

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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Mar 31 Mar 2015, 16:05


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La Inmaculada Concepción, 1630 (128 x 89). Museo del Prado. Obra de Francisco de Zurbarán
El culto a la Inmaculada es una de las señas de identidad de la sociedad española del siglo XVII, sobre todo a raíz de una gran polémica entre sus defensores y sus detractores que tiene lugar en Sevilla en 1616. A partir de ese momento la ciudad se convierte en uno de los grandes focos concepcionistas del país y sus pintores dedican gran parte de sus energías a promover la devoción. Zurbarán es uno de los más activos en este sentido y a él se deben varias obras de este tema, como ésta, una de sus composiciones más tempranas y en la que muestra su característica Virgen niña y estática.

Aparece con las manos unidas en oración y rodeada por los símbolos de las letanías que recuerdan las virtudes que acompañan a la imagen de la Virgen.

La abundancia de estos complejos signos de lectura teológica hace que la imagen tenga dos posibles visiones para el fiel: la del manifiesto doctrinal extremadamente complejo y sólo descifrable para unos pocos entendidos, y la de la imagen devocional, que muestra una María hermosa e infantil, que despierta el fervor de los más sencillos.
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por Helene el Miér 01 Abr 2015, 13:56

Joooeeerrr anika que interesante te has puesto te vas a traer todos los museos a la piramide di que si, eso esta muy bien te felicito!!
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Miér 01 Abr 2015, 14:45

bueno Helene al menos lo boy a intentar , gracias por pasate por aqui guapa margaritas margaritas



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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Miér 01 Abr 2015, 15:05

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titulo santa isabel de portugal
autor fracncisco de zurbaran
cronologia 1636
tecnica oleo
soporte lienzo
madidas 183cm x 98cm
tema religion
Procedencia
   Colección Real (Palacio Real, Madrid, trascuarto de la reina-pieza de la chimenea colgada de encarnado, 1814-1818, nº 287 y 227).

En pie, caminando hacia la derecha, la santa viste traje de dama propio del siglo XVII, portando sobre la falda unas rosas. Aluden al hecho milagroso de la conversión en rosas de las monedas del tesoro real, que ella repartía a escondidas entre los menesterosos. Una historia similar se cuenta de Santa Casilda, con quien a veces se ha identificado este cuadro.

Es una de las efigies más elegantes de Zurbarán. Sus ricos vestidos ofrecen al pintor una magnífica oportunidad para demostrar su extraordinaria capacidad para la reproducción de texturas. Demuestra el dominio técnico alcanzado en un prototipo muy extendido en su obra, como es la representación de figuras recortadas sobre un fondo oscuro que miran de frente al espectador. En algunos casos se trata de “retratos a lo divino”, es decir, retratos de personas vivas representadas con los atributos del santo de su nombre, en este caso de la reina Isabel de Portugal.

Se desconoce el origen de la pintura, documentada por primera vez en 1814 en el Palacio Real.
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Dom 05 Abr 2015, 11:34

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Autor Francisco de Zurbaran
Titulo Cristo Crucificado Con Donante
Cronologia  1640
Tencnica oleo
Soporte Lienzo
Medidas 244 cm x 167,5 cm
Tema Retrato
Procedencia
  Colección Hueto, Vitoria, en 1924; colección Lezama-Leguizamón, Bilbao; adquisición Fondos Legado Villaescusa, 1996

Sobre fondo neutro, aparece la imagen de Cristo crucificado junto al donante de la obra.

Destaca la apariencia casi escultórica de Cristo, tocado con la Corona de espinas y cubierto por el Paño de pureza, en donde Zurbarán hace gala de su dominio técnico en el empleo de la gama de blancos. Los fuertes contrastes lumínicos, tanto en el rostro del donante como en el cuerpo de Cristo aportan profundidad a la composición y enlazan su técnica con el estilo tenebrista
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por Jucarese el Lun 06 Abr 2015, 14:15



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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Mar 07 Abr 2015, 17:22

gracias por pasarte por aqui
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Mar 07 Abr 2015, 17:24

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Defensa de Cádiz contra los ingleses
Autor Francisco de zurbaran
Cronología
1634 - 1635
Técnica
Óleo
Soporte
Lienzo
Medidas
302 cm x 323 cm
Tema
Militar
Procedencia
   Colección Real (Palacio del Buen Retiro, Madrid, 1701, [nº 247]; Buen Retiro, 1772, nº 416; Buen Retiro, 1794, nº 520; Palacio Real, Madrid, pinturas descolgadas en el callejón de tribunas, 1814-1818, nº 520).

Representa a don Fernando Girón, gobernador de Cádiz, dando instrucciones a sus subordinados para organizar la defensa de la ciudad, amenazada por la escuadra inglesa que aparece al fondo. Ese suceso, que tuvo lugar en 1625, fue una de las acciones bélicas elegidas para decorar el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro en Madrid, junto con otras encomendadas a pintores españoles como Velázquez, Maíno, Vicente Carducho o Pereda.

Es una obra importante y singular dentro de la carrera de Zurbarán, no sólo porque fue un encargo de la corte, sino también porque se trata de una de las escasas ocasiones en las que se acercó a un tema de la “historia civil”. El artista muestra algunas de las virtudes que le convierten en un punto de referencia de la historia de la pintura española de su tiempo, como su precisión retratística o su capacidad para reproducir de manera exacta y detallada una gran variedad de texturas.
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por Nefertari el Miér 08 Abr 2015, 20:39

buenisimo tema,un gran pintor aunque yo no le sigo mucho porque no me va su estilo,pero marco una epoca de los grandes

te lo ccambie ya a su sitio anika,aqui estan los pintores vale

margaritas margaritas margaritas margaritas


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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Miér 08 Abr 2015, 22:16

pues muchisimas gracia porque yo no savia como canviarlo gracias guapisima
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Jue 09 Abr 2015, 15:36


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Autor   Zurbarán, Francisco de
Titulo   Muerte de Hércules, abrasado por la túnica del centauro Neso
Cronologia  1634
Tcnica  0leo
Soporte  Lienzo
Medidas  136 cm x 167 cm
Escuela  Española
Tema Mitologia
Procedencia
   Colección Real (Palacio del Buen Retiro, 1701, [nº 261]; Buen Retiro, 1794, nº 532).

En este episodio, que narró Baltasar de Vitoria con amplios detalles, se ilustra la muerte del hijo de Júpiter. En el texto se cuenta cómo el héroe mató al centauro Neso por haber querido forzar a Deyanira, recién casado con Hércules. Tras la boda, al tiempo de pasar el río Eveno que corre por la Etholia no fue posible vadearle, por ir muy crecido. Acaeció de hallarse allí el Centauro Nesso que se ofreció a pasar a Deianira, [...] cuando llegó a la otra parte, oyó voces, y gritos de Deianira porque Neso quería forzarla, a cuya defensa llegó Hércules y queriéndosele escapar el centauro, le arrojó una saeta de las que traía ensangrentada con la sangre de la ponzoñosa hidra. Zurbarán sugiere esa secuencia en el frondoso paisaje del fondo, donde Neso, que repite la figura del centauro de la serie grabada por Hans Sebald Beham, huye, con los brazos en alto, herido de muerte por la flecha recién clavada en su espalda. Antes de morir desangrado, Neso entrega una camisa envenenada a Deyanira, con la mentira de que, si Hércules la utilizaba, convertiría en aborrecibles al resto de las mujeres. Deyanira entrega a su esposo la prenda en un ataque de celos contra Iole, la hija del rey de Etolia: Él se la vistió, y como el veneno era tan activo y tan eficaz, se entró luego por las carnes, calándole hasta los huesos de suerte que se abrasaba en vivo fuego. Después hizo una hoguera con grandes árboles que arrancó y tendiendo allí la piel del león Nemeo que le había servido de arma defensiva en sus lides, y poniendo la clava o maza por cabecera, entregó sus saetas y arco a Phiocteres, diciendo que no se podía ganar Troya sin ellas, puso fuego a la leña y allí se consumió y abrasó. Y quemando el fuego la parte que tenía de humano, por mandato de Júpiter y consentimiento de los demás dioses, le subieron al Cielo y fue contado en el número de ellos. A este episodio se le ha dado un significado en clave dinástica y glorificadora en la que el fuego aporta un elemento ritual a la apoteosis del ascendiente mítico del rey español.  Serrera justifico el hecho de que Zurbarán prefiriera representar a Hércules sufriente por su simbolismo cristiano. Además la imagen del héroe divinizado podría apartarse de la visión general de la serie, requiriendo un tratamiento compositivo bien diferenciado y que, quizás, excedía las posibilidades expresivas del artista. Para conformar la figura de Hércules, los especialistas han sugerido distintas fuentes. Soria avanzó una probable inspiración en la escultura de San Jerónimo penitente de Pietro Torrigiano (Sevilla, Museo de Bellas Artes), mientras que Guinard propuso una estampa del francés Gabriel Salmon, fechada en 1528, que resulta una inspiración más directa, pues incluye el gesto crispado de Hércules, los troncos de la pira que en la pintura se insinúan detrás del héroe, o la representación del arco y la clava en el primer término, a los que también hace alusión el texto de Vitoria. El artista debió de estudiar muy bien este asunto, y se aprecia el cuidado con que fue realizado. La vestimenta blanca recuerda al primoroso pintor de hábitos que fue Zurbarán y la cabeza tiene detalles que sorprenden si se piensa en el destino de la tela -ser colocada a unos tres metros de altura-, pues el pintor se preocupó de iluminar con finísimos toques de pincel el ojo, la nariz y la dentadura. Algo parecido podríamos decir de las numerosas y minúsculas pinceladas que tratan de reproducir las llamas que se desprenden de la figura de Hércules, y que contrastan con las soluciones abocetadas con las que pinta una gran parte de los lienzos de esta serie (Texto extractado de Ruiz, L. en: El Palacio del Rey Planeta. Felipe IV y el Buen Retiro, Museo Nacional del Prado, 2005, p. 165).
 


Última edición por anika el Jue 09 Abr 2015, 15:57, editado 1 vez
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Jue 09 Abr 2015, 15:49

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Hércules lucha con la hidra de Lerna
Autor Francisco de Zurbaran
Titulo Hércules lucha con la hidra de Lerna
Cronología 1634
Técnica Óleo
Soporte Lienzo
Medidas 133 cm x 167 cm
Escuela Española
Tema Mitología
Procedencia
Colección Real (Palacio del Buen Retiro, Madrid, 1701, [nº 265]; Buen Retiro, 1794, nº 536).

En esta escena Hércules debe enfrentarse a un animal fabuloso que representa un peligro para los hombres y simboliza los males y los vicios a los que el hijo de Zeus y de Alcmena vence tras probar su astucia y fuerza. El mal aparece representado por una sierpe de extraña figura con muchas cabezas a la cual decían hidra y tenía tal naturaleza que por una cabeza de aquellas que le fuere tajada le nacían tres, en manera que cuanto más trabajaran en su muerte [...] tanto más ella por su naturaleza multiplicaba su vida. Así inicia Enrique de Villena el relato del terrible peligro que representaba la hidra, cuyo final habían intentado los habitantes de la pantanosa región de Lerna, cerca de Argos, donde no había descanso ni paz a causa del dañino monstruo. Para resolver esta situación, Hércules, cubierto con la piel del león de Nemea que ya había matado en el episodio anterior (P1243), tuvo que sustituir la fuerza por el ingenio. La hidra fue acorralada y destruida por medio del fuego y enterradas luego sus cenizas. En sintonía con otros de los cuadros de la serie, Zurbarán destaca la poderosa figura de Hércules en el centro de la escena, en plena ejecución del castigo al monstruo y fuertemente iluminado frente a la oscuridad que envuelve el fondo. De nuevo, el pintor se apoyó para resolver la composición en las estampas de Cornelis Cort, tomando aspectos de varios episodios de la serie flamenca, aunque especialmente de la del mismo tema, donde figura también el sobrino del protagonista, Iolao. Éste, apareciendo por la derecha de la escena, porta la tea encendida que consumaría la destrucción de la hidra. De la misma estampa se toma el cangrejo situado a los pies del héroe -en el grabado, asoman además una serie interminable de animales que incluía escorpiones-, y de cuya presencia encontramos una explicación en la obra de Baltasar de Victoria, quien cuenta que salió un cancro de la Laguna Lerna a dar ayuda a la portentosa Hidra. Las principales diferencias con la representación del grabador Cornelis Cort las hallamos en el escenario donde transcurre el episodio, cerrado y claustrofóbico en la pintura de Zurbarán, muy alejado del exterior luminoso de la propuesta del flamenco. Varían también los tipos humanos, revestidos en el lienzo de un carácter tosco y popular que quizás pretendía españolizar el mito. Las bruñidas cabezas, ejecutadas de una manera muy sumaria en relación con el modelado de los cuerpos, se destacan por su tono tostado, como si estuviéramos ante aldeanos que se hubieran desprendido de su vestimenta para la ocasión (Texto extractado de Ruiz, L. en: El Palacio del Rey Planeta. Felipe IV y el Buen Retiro, Museo Nacional del Prado, 2005, p. 149).











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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Mar 14 Abr 2015, 13:20

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Autor Francisco De Zurbaran
 Título  Hércules lucha con el león de Nemea
Cronología 1634
Técnica  Óleo
Soporte   Lienzo
Medidas  151 cm x 166 cm
Escuela   Española
Tema      Mitología
Procedencia
   Colección Real (Palacio del Buen Retiro, Madrid, 1701, [nº 264]; Buen Retiro, 1794, nº 535).
Un temible león asolaba la región de Nemea y atemorizaba a sus habitantes, impidiendo el normal desarrollo de sus tierras. Los doce trabajos de Hércules del marqués de Villena, junto a la Filosofía secreta de Juan Pérez de Moya (1585) y el Teatro de los dioses de la gentilidad de Baltasar de Victoria (1620-1624), fueron seguramente los textos de referencia para la concepción de la serie sobre los trabajos de Hércules destinada al Salón de Reinos. Villena ambientó esta escena en un paraje abrupto y pedregoso que se había convertido en refugio del león, y así se ilustra en la estampa que acompaña su narración. Zurbarán dio a su paisaje ese mismo aspecto, algo que, en cambio, no aparece en las otras fuentes grabadas que se suelen proponer como las principales referencias compositivas del pintor. Hablamos de las series de que sobre el mismo tema realizaron Cornelis Cort (1533-1578), a partir de dibujos de Frans Floris, y Hans Sebald Beham, este último en la década de los cuarenta del siglo XVI. Para este episodio el extremeño siguió la estampa de Cort en lo que se refiere a la disposición del héroe, y a Beham en la concepción y situación del león, de pie en el momento en que Hércules  se abalanza hacia él y lo asfixia con los brazos tras aturdirlo con el garrote, que aparece en la pintura de Zurbarán en primer término, en el suelo. Villena se refiere a este momento y subraya la fiereza del animal. En esta pintura, es la cabeza del animal el elemento que corona la composición piramidal que dibujan las dos figuras entrelazadas, toda vez que la de Hércules se oculta parcialmente con el antebrazo derecho. El dramatismo de la escena se subraya además por la elección de una luz de atardecer que baña el cuerpo de Hércules remarcando su fuerte musculatura y el esfuerzo del momento, un recurso que se repetirá en todo el conjunto para hacer destacar a héroe, con el que se sentía emparentado Felipe IV como legítimo sucesor de los Habsburgo y titular del trono español. Como ocurre en otras historias en las que Hércules vence a un monstruo o animal fabuloso tras una difícil lucha, el triunfo sobre el león de Nemea simboliza tanto el valor del héroe, y con él, el del rey y la monarquía,  como el triunfo de la Virtud sobre el Mal y la Discordia. A propósito de este episodio concreto, el marqués de Villena ve en el león de Nemea una representación de la soberbia y de los vicios, un animal al que Hércules, al despojar de su piel, doblega para devolver la virtud y la paz a los estados. Tras matar al león, Hércules lo despellejó para convertir la piel en su vestidura, pasando a ser uno de sus atributos característicos, que se consideraba también elemento de protección (Texto extractado de Ruiz, L. en: El Palacio del Rey Planeta. Felipe IV y el Buen Retiro, Museo Nacional del Prado, 2005, p. 148).
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Mar 14 Abr 2015, 13:25

Visión de San Pedro Nolasco[Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]
Visión de San Pedro Nolasco.jpg
Autor Francisco de Zurbarán, 1629
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 179 cm × 223 cm
Localización Museo del Prado, Madrid, Flag of Spain.svg EspañaLa Visión de San Pedro Nolasco es un cuadro de Francisco de Zurbarán pintado en 1629 y conservado en el Museo del Prado de Madrid, España. Está trabajado al óleo sobre lienzo y mide 179 cm de alto por 223 de ancho.

Representa a San Pedro Nolasco, fundador de los mercedarios, soñando con una imagen de la Jerusalén celeste, que aparece recortada entre unas nubes a la izquierda del espectador, en presencia de un ángel que la señala.

La obra forma pareja con la Aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco, y ambos fueron realizados para el claustro del Convento de la Merced Calzada de Sevilla (actual edificio del Museo de Bellas Artes), en una serie dedicada al monje catalán. Se trata de dos obras de la época inicial de la trayectoria de Zurbarán. En ellas el pintor extremeño muestra su habilidad para plasmar la expresión de las fiugras, los valores táctiles y calidad de las texturas y el cromatismo de blancos y grises en composiciones austeras.

La aparición de la ciudad fantástica se reviste de sobriedad, en conjunción con las figuras del resto del cuadr y el estilo sobrio habitual de Zurbarán para las pinturas de historia de los santos de las órdenes de Sevilla, que fueron su principal cliente.

En 1808 el lienzo fue comprado por López Cepero, deán de la Catedral de Sevilla, que en 1821 lo donó a la colección del rey Fernando VII.
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Dom 17 Mayo 2015, 11:26

[Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco
Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco.jpg
Autor Francisco de Zurbarán, 1629
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 179 cm × 223 cm
Localización Museo del Prado, Madrid, Flag of Spain.svg España
Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco es un cuadro de Francisco de Zurbarán pintado en 1629 y conservado en el Museo del Prado de Madrid, España. Está pintado al óleo sobre lienzo, mide 179 cm de alto por 223 de ancho y forma pareja con Visión de San Pedro Nolasco. En la zona inferior está firmado y fechado: FRANCISCUS Đ ZURBARAN [con A inscrita en la N]/ FACIEBAT. 16Z9

El cuadro representa a San Pedro apareciéndose y consolando a San Pedro Nolasco ya que este quería ir a Roma para visitar la tumba del apóstol y no podía, y conminándole a continuar sus tareas de evangelización en España.

La obra, junto con su compañera Visión de San Pedro Nolasco, de las mismas medidas, fue realizada para el claustro del Convento de la Merced Calzada de Sevilla (actual edificio del Museo de Bellas Artes). En ellas el pintor extremeño muestra su habilidad para plasmar la expresión de las fiugras, los valores táctiles y calidad de las texturas y el cromatismo de blancos y grises en composiciones austeras.

En 1808 el lienzo fue comprado por López Cepero, deán de la Catedral de Sevilla, que en 1821 lo donó a la colección del rey Fernando VII.
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Dom 17 Mayo 2015, 11:35

[Tienes que estar registrado y conectado para ver esa imagen]Cristo en la Cruz
Francisco de Zurbarán - Christ on the Cross - WGA26051.jpg
Autor Francisco de Zurbarán, 1627
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 290 cm × 168 cm
Localización Instituto de Arte de Chicago, Chicago, Estados Unidos

Cristo en la Cruz es un cuadro de Francisco de Zurbarán realizado en 1627. En 1626 y ante un notario, firmó un nuevo contrato con la comunidad de los predicadores de la orden dominicana de San Pablo el Real, en Sevilla: tenía que pintar 21 cuadros en ocho meses. Fue entonces, en 1627, cuando pintó el "Cristo en la Cruz", obra que fue tan admirada por sus contemporáneos que el Consejo Municipal de Sevilla le propuso que se instalara en dicha ciudad en 1629.
Cristo crucificado de Velázquez 1632, (250 x 170 cm). Museo del Prado. Madrid.

En este cuadro la impresión de relieve es sorprendente: Cristo está clavado en una burda cruz de madera. El lienzo blanco, luminoso, que le ciñe la cintura, con su hábil drapeado—ya de estilo barroco—, contrasta dramáticamente con los músculos flexibles y bien formados de su cuerpo. Su cara se inclina sobre el hombro derecho. El sufrimiento, insoportable, da paso a un último deseo: la Resurrección, último pensamiento hacia una vida prometida en la que el cuerpo, torturado hasta la extenuación, pero ya glorioso, lo demuestra. Igual que en La Crucifixion de Velázquez (pintado hacia 1630, más rígido y simétrico), los pies están clavados por separado. En esa época, las obras, en ocasiones monumentales, trataban de recrearse morbosamente en la crucifixión, de ahí el número de clavos.

Por ejemplo, en las Revelaciones de Santa Brígida se habla de cuatro clavos. Por otra parte, y tras los decretos tridentinos, el espíritu de la Contrarreforma se oponía a las grandes escenificaciones orientando, especialmente a los artistas, hacia las composiciones en las que se representara únicamente a Cristo. Muchos teólogos sostenían que tanto el cuerpo de Jesús como el de María tenían que ser unos cuerpos perfectos. Zurbarán aprendió estas lecciones afirmándose, a los veintinueve años, como un maestro incontestable.
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Re: FRANCISCO DE ZURBARAN

Mensaje por anika el Miér 27 Mayo 2015, 12:54


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San Serapio
Francisco de Zurbarán 026.jpg
Autor Francisco de Zurbarán, 1628
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 120 cm × 103 cm
Localización Wadsworth Atheneum, Hartford, Estados Unidos
San Serapio es un cuadro de Francisco de Zurbarán realizado en 1628.

Análisis del cuadro
Zurbarán firmó un contrato, en 1628, con los religiosos del convento de Nuestra Señora de la Merced Calzada y fue entonces cuando pintó a San Serapio, uno de los mártires de los mercedarios, muerto en 1240 a manos de los piratas sarracenos tras haber sido, seguramente, torturado.

Los religiosos mercedarios, según reza la tradición, pronunciaban un voto de "redención o de sangre", que les comprometía a dar su vida a cambio del rescate de los cautivos en peligro de perder su fe.

Zurbarán quiso representar el horror sin que en la composición se viera ni una gota de sangre. Aquí no se intuye el ensueño divino que precede a la Resurrección. La boca entreabierta no deja escapar ni un grito de dolor, demuestra el abatimiento paroxístico, dice en un soplo, simple y terriblemente, que ya es demasiado para seguir viviendo.

La gran capa blanca, casi un trampantojo, ocupando la mayor parte del cuadro. Si se hace abstracción del rostro, la relación entre la superficie total y la de este gran espacio blanco es, exactamente, el Número áureo.

El cuadro no representa la locura que convirtió en mártir al compañero inglés de Alfonso VIII. El pintor trata de provocar la empatía. El San Serapio de Zurbarán nos ofrece la manifestación sensible de un alma que abandona la vida al mismo tiempo que él se abandona también, al no encontrar ya la razón por la que existir. Serapio, ¿confía todavía en ese ser más poderoso que él, en "eso" prometido que le espera? ¿Qué piensa? Si es que puede pensar todavía. Una obra sanguinolenta no nos habría mostrado más que el grado de maldad de los torturadores y su complacencia. La trampa del voyeurismo, es evitada en esta composición.
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